“Lab Of Madness”, una pequeña compañía cinematográfica estadounidense nos entrega un producto sobresaliente, “Murder Party”, donde la comedia, el terror y la critica están presentes en partes iguales. Primer largometraje de Jeremy Saulnier (ya que sus dos primeros trabajos fueron los cortometrajes llamados “Goldfarb” y “Crabwalk”)
Es interesante el “circulo” que forma al film (básicamente, y para evitar el spoiler, la película comienza y termina en el mismo lugar) Hay un interés particular en cierto “minimalismo” del día a día del protagonista que no todas las películas tienen en cuenta: vemos como alquila una película, toma un medicamento, vacía sus bolsillos, etc. “Murder Party” tiene un gran trabajo cinematográfico, tomas muy cuidadas, un guión interesante y un buen nivel de actuaciones, si bien los personajes son un tanto estereotipados, las actuaciones no dejan de ser creíbles. La historia se centra en un 31 de Octubre, es decir, en las festividades de Halloween. Una carta misteriosa se topa con un tipo solitario camino a su casa. Es una invitación a una “Murder Party” (una “fiesta mortal”) En lugar de utilizar su clásico disfraz de Halloween, el protagonista decide improvisar uno en el momento. Utilizando cartón, cinta adhesiva y mucha imaginación, se crea una especie de “armadura” medieval muy hilarante. Hornea un pan de calabaza y se encamina hacia la fiesta. Sin embargo, al llegar a ella se topa con que fue organizada por un grupo de jóvenes artistas que planean asesinarlo en nombre del “arte”. Estos artistas son como muchos de los que conocemos, elitistas y envidiosos (pero tambien jóvenes, estúpidos y drogadictos). Es difícil no rememorar el episodio de “Los Simpsons” donde Homero es convertido en artista por un grupo de snobs del arte. Aquí pasa exactamente lo mismo. La música que acompaña a las escenas es excelente. “Murder Party” es una muy buena película que no deja de preguntarnos ¿hasta donde se puede llegar en nombre del arte? y ¿todo puede ser considerado arte?
Nuevo exponente del revival del cine slasher de estos años (“Freddy Vs Jason”, “See No Evil”, “Behind The Mask: Rise Of Leslie Vernon”, “The Texas Chainsaw Massacre: The Beginning”, etc ) pero vale aclarar, “Hatchet” esta muy por arriba de la mayoría de las que tuve oportunidad de ver. Segunda película y debut en el género de Adam Green, esta producción tiene a favor el excelente nivel de gore y efectos especiales. Es un film slasher de la vieja escuela pero realizado en el 2006, nada de CGI, todo del más puro FX de látex y prótesis. La historia, como todo film slasher, tiene que ver con algún psicópata asesino con objetos cortantes que –generalmente- arrastra un trauma desde niño que lo lleva a –generalmente- perseguir a –siempre- torpes adolescentes que se cruzan en su camino. En muchos casos esta historia vuelve pesado, soporífero e insoportable al film, pero en “Hatchet” no pasa esto. El nivel de vértigo que toma la película hace olvidar el simplismo del guión. Rápida, violenta y certera, no hay muerte que no quede grabada en nuestras retinas, una es simplemente mejor que la otra. A no esperar algo original, solo hay que sentarse a ver una entretenidísima película slasher, con algo de comedia y excelentísimas ejecuciones de protagonistas. Sin embargo, alcanzado el climax de gore - ya casi sin protagonistas que matar-“Hatchet” nos deja con ganas de más.
Este es el espectacular debut como director de Satoshi Kon, la mayoría se preguntará quien es este tipo. Kon es un director japonés de anime, con una corta lista de trabajos, pero todos de un calidad excelente, tanto en la animación como sus guiones. Entre los trabajos mas destacables podemos nombrar que en 1995 escribe una de las tres historias que conforman la película“Memories” de Katsushiro Otomo. En 2001 dirige y escribe “Millennium Actress”, en 2003 hace lo mismo con “Tokyo Godfathers”, luego le dedica mucho tiempo a su serie de TV “Paranoia Agent” y finalmente en 2006 estrena “Páprika”. Kon es alguien que resalta mucho la parte humana, los miedos y sentimientos en los personajes que crea.
“Perfect Blue” es un thriller psicológico que mezcla elementos del slasher y del terror. “Thriller Psicológico” es una frase armada, pero es la mejor forma de describir productos como este, trabajos donde las vueltas de tuerca están al asecho, con personaje turbados y acosados por sus propios temores en los cuales es difícil tanto para el espectador como para ellos diferenciar que es real y que no lo es. Satoshi toma la novela de Yoshikazu Takeuchi y crea una obra de arte dulce, hermosa, violenta y perturbadora. La escena de la violación de la protagonista es terriblemente perturbadora y logra incomodar al espectador.
La protagonista es la joven Mima Kirigoe, una pop star y figura del trio CHAM. Los problemas para Mima comienzan cuando decide abandonar el grupo para dedicarse por completo a la carrera de actriz. Sus compañeras no lo toman mal y deciden continuar como dúo. Mima descubre una pagina web llamada “El Cuarto De Mima”, la cual describe sus actividades diarias con detalle. La paranoia de ser seguida y observada se apodera de Mima. Paralelamente las personas involucradas en la nueva carrera como actriz mueren en extrañas y horribles circunstancias. La locura se apodera de la protagonista cada vez más y una segunda Mima, la Mima Pop Star la asecha advirtiéndole que no fue una buena decisión abandonar su carrera musical. Mima ya no puede diferenciar lo que es real y lo que es un sueño.
Hay algunos datos muy interesantes para compartir: el productor Darren Aronofsky compró hace unos años los derechos de esta película en 59 mil dólares (es decir, que no resultaría raro ver tarde o temprano una versión Live Action de “Perfect Blue” realizada en USA) Mas allá de esto, lo interesante es que en “Réquiem For A Dream” de Aronofsky hay una escena sospechosamente similar a una de “Perfect Blue”. La escena en cuestión es aquella en la cual Mima se “ahoga” en la bañera, en el film de Aronosfky a Jennifer Connelly le pasa exactamente lo mismo. Sin embargo el productor nunca comentó los orígenes de esta escena en cuestión. ¿Homenaje o plagio?
“Perfect Blue” es una película de culto, si bien en un principio fue pensada como una película Live-Action, es decir con actores de carne y hueso, finalmente por problemas de presupuesto fue concebida en anime (animación japonesa). El nivel de tensión esta muy bien logrado, y la historia es atrapante y abre la puerta para el debate. El desenlace es muy bueno, una conjunción de la fantasía con la realidad.
“Night Junkies” es una excelente película inglesa escrita y dirigida por el debutante Lawrence Pearce. Un film de vampiros que escapa a todo lo que he visto de este genero hasta ahora, algo que personalmente esperaba desde hace tiempo: un drama neto de corte vampirico.
La película esta ambientada en la noche londinense, sus callejones oscuros y prostibulos de mala muerte. La protagonista es Ruby, una hermosa stripper presionada por sus jefes para que ofrezca servicios de prostitucion (a los que ella se niega rotundamente) Las circunstancias de la noche la llevan a toparse con Vincent, un adicto a la sangre que no le confiesa su condición de entrada. La pareja no tarda en congeniar y formar una relación amorosa. La cuestión es que Ruby se “contagia” de esta adicción en un encuentro sexual con Vincent y aquí comienzan los dramas existenciales de esta pareja. ¿Qué hacer con esta adicción? ¿esta bien lo que hacemos? ¿hay una cura?, etc. No hay explicaciones del origen de esta afección, que por muchos momentos del desarrollo no es lo principal. Una trama muy adulta en la que se podría reemplazar el elemento vampirico por drogas y no cambiaria en nada su fuerza dramática.
“Night Junkies” no es el típico film de vampiros góticos, con fuerza sobrehumana ni expertos karatekas. No, esta película no quiere caer en este estereotipo (que no esta mal para el genero si esta bien argumentado y cuidado como en “Underworld”) Esto queda claro desde el inicio cuando Vincent se pregunta “¿Qué tal si los vampiros no son como los de las películas, sino personas comunes y corrientes con problemas como todos?”. Pregunta que recorre toda la película y es lo mas atractivo de la película. Un excelente drama, violento, oscuro y muy pero muy caliente y sexual en muchos momentos.
Nombres alternativos: Aullidos (Spain) Hurlements (France) The howling - ulvonta (Finland) Das Tier (West Germany) O Uivo da Fera (Portugal) L' Ululato (Italy) Ulvonta (Finland) Varulvarna (Sweden)
La década de los 80 fue muy importante para el cine de terror. Su “época de oro” si se quiere, el desencadenante del cine de horror de los 70 que asomando con films como “The Exorcist” (1973), “The Hill Have Eyes” (1977) y“The LastHouse On The Left” (1912) . El cine de terror comenzó a abundar... algunos productos muy buenos, otros de dudosa calidad... otros intrascendentes. Los medios no aceptaban este horroroso genero... y bueno,“la mala prensa es buena prensa” dicen. La cosa es que los adolescentes se agolpaban en las salas de cine ante cualquier promesa de violencia, sangre y sustos. Muchos productos de esta época tuvieron secuelas casi inmediatas:“Halloween”, “A Nightmare on Elm Street”, etc. Una muy importante fue “The Howling”, que tubo la para nada fácil suma de siete películas: “The Howling” (1981), “Howling II: Your Sister Is a Werewolf” (1985),“Howling III: The Marsupials” (1987), “Howling IV: The Original Nightmare” (1988), “Howling V: The Rebirth” (1989), “Howling VI: The Freaks” (1991) y “Howling VII: Mystery Woman” (1995). Repasemos la primera. Surge en 1981, mismo año que “An American Werewolf In London”, otro clásico de licántropos. “The Howling” esta protagonizada por Dee Wallace Stone, una “screamin queen” todavía hoy muy reconocida (debutó en este genero en “The Hill Have Eyes” de Wes Craven en 1977) La dirección estuvo a cargo del joven Joe Dante que luego se despacharía con todo tipo de locuras como “Twilight Zone: The Movie” (1983), “Gremlins” (1984), “Gremlins 2: The New Batch” (1990), “Small Soldiers” (1998), “Looney Tunes: Back in Action” (2003) y hace poco en dos episodios de "Masters of Horror" (2005-2006). El guión y toda la saga se basan en las novelas de Gary Brandner (en 1989 se encarga del guión de “Cameron´s Closet” de Armand Mastroianni). Dee Wallace Stone interpreta a Karen White, una prestigiosa reportera hostigada por un asesino serial. En su ultimo contacto invita a Karen a encontrarse, ella en busca de un gran reportaje decide ir a su encuentro, pero equipada con micrófonos ocultos y monitoreada por sus colegas. Luego de un encuentro accidentado, el acosador, Eddie Quist (interpretado por el groso de Robert Picardo) es abatido y dado por muerto. Sus compañero ven a Karen traumada por el suceso y deciden que lo mejor es que junto a su esposo Bill (tanto en el film como el la vida real. Interpretado por Christopher Stone que trabajó en “Cujo” de 1983) pasen un tiempo en una colonia en las afueras del país. Los compañeros de Karen siguen la historia de Eddie Quist pero se topan con que el cuerpo ha desaparecido de la morgue. La cuestión es que esta colonia parece ocultar algo en sus extraños habitantes. La transformación en hombre lobo del film es EXCELENTE. Todo un trabajo artesanal: maquillaje y efectos de cámara de la vieja escuela. Si hay una competencia por ver cual es la mejor transformación en licántropo del cine, creo que esta lleva la delantera (o por lo menos esta entre las tres primeras). La trama (adaptada de la novela por John Sayles que luego se despacharía con “Piranha" de Roger Corman en el 95) le da un aire fresco y renovador al subgénero de hombres lobos ya que rompe algunos esquemas obvios. Primero que nada porque no se trata de la típica historia en la que vemos a un hombre sufrir los cambios de la maldición en su cuerpo, nada de esto, “The Howling” se saltea toda esta cuestión y nos adelanta en la historia hasta el punto en que los licántropos ya controlan sus poderes y hasta están organizados (cosa común en los films de vampiros por ejemplo) En segundo lugar el protagonista es una mujer. La escena de sexo es memorable: hombre y mujer tienen relaciones al mismo tiempo que se van transformando (zoofilia?). La música es sobresaliente (atmosférica, mucho teclado y con un sonido pastoso, propio de la época. Por momentos rememora mucho a los trabajos de Darío Argento) que junto a las soberbias actuaciones le dan un toque de “seriedad” al film, cosa que por esa época ni los actores ni los productores les preocupaba mucho, esto se comprueba perfectamente con la primer secuela.
Este film es extraño, por momentos me desconcertó. Se trata de otro film basado en la segunda guerra, en este caso cuenta la historia de tres grupos de soldados que se relacionan entre sí (los alemanes, los estadounidenses y los italianos) Un gran punto a favor (que no todos los filmes lo respetan) es que cada bando habla en su idioma natal, parece una estupidez esta aclaración, pero estoy cansado de ver películas en que todos hablan en ingles. Creo que lo que más sobresale de "The Fallen" es que no es otro clásico film de guerra, sale de lo común. Esto se debe a varios momentos de comedia que atraviesan el argumento, tanto situaciones como personajes estereotipados que le dan un toque extraño y bizarro al film (una joven aldeana muy linda que le faltan todos los dientes, un adinerado y sucio Sr. Rossini, etc.) Algo que del cine italiano me resulta muy cómico es el hecho de que muchas veces se dan situaciones de peleas familiares, vemos a todos los personajes gritando, pegándose y esas cosas. Bueno, aquí en "The Fallen" hay varias situaciones similares, que justamente son las que no me esperaba en una película bélica. También resulta interesante el hecho de que no haya protagonistas, no hay un personaje que se pueda decir que es central.
Este es el debut dentro del genero de terror y segundo film de la carrera del joven Jonathan Liebesman. “Darkness Falls” simplemente me encantó. No es un clásico film de terror clase B y esto se debe a la calidad visual y sonora. Tiene una fotografía ultracuidada, una música excepcional a cargo de Brian Tyler (a pesar de su juventud, es todo un veterano en esto) y una historia que se sostiene con buenas actuaciones, una historia interesante, ambientaciones muy logradas y una criatura a cargo del estudio de Stan Wiston y esto nos asegura algo: un gran susto (Su estudio encargo de las criaturas de “The Thing”, “Terminator”, “Predator”, “Aliens”, “Pumpkinhead”, “Jurassic Park” entre otras)
El guión toma la historia de la mujer que dio vida a la tradición del “Hada de los Dientes”, Matilda Dixon. Ella era muy querida por los niños que iban a su casa en busca de golosinas o regalos a cambio de sus dientes, pero los padres no confiaban demasiado en ella. Un día un cruel incendio en la casa dejó a Matilda muy quemada y deformada. Comenzó a usar una mascara de porcelana para ocultar su cara. Los niños no podían ir a su casa ya que ella se rehusaba a ser vista. Así comienza a dirigirse por las noches a la casa de los niños quienes dejaban sus dientes en el pórtico para que Matilda les deje su moneda. Pero un día unos niños no vuelven a su casa, y el pueblo acusa a Matilda, y sin posibilidad de un juicio justo, el “hada de los dientes” es colgada frente a todo el pueblo acusador. Horas después los niños aparecieron sanos y salvos ya que se habían perdido en el bosque. Ahora Matilda se convirtió en un ente fantasmal que espera por la caída de los dientes de los niños del pueblo Darkness Falls, pero el problema esta en mirarla, ya que si alguien la ve mientras realiza su tarea, ella lo asesina. Kyle Walsh es un joven que lamentablemente la vio, ella mato a su madre pero el lleva años escapando del fantasma de Matilda. Cuando una vieja amiga de la infancia se contacta con el para que la ayude con su hermano, Matilda los perseguirá hasta acabar con todos los que se osaron a mirarla, pero ellos tienen una ventaja, ella no puede moverse en la luz, por eso equipados con linternas de todo tipo, intentaran escapar del fantasma. Esta idea tambien fue usada en la producción española “Darkness” o “La Séptima Victima” (2002) de Jaume Balagueró. Pero los resultados son mucho mas interesantes en “Darkness Falls”.
La edición en DVD trae un making of y un corto documental acerca de Matilda Dixon. Denle una oportunidad a “Darkness Falls” ya que esta muy bien realizada.
Jesse Dylan hace su debut como director en "How High", un film desopilante producido por Danny DeVito y guionado Dustin Abraham, este ultimo demostrando gran versatilidad a la hora de escribir, ya que fue el responsable de muchos episodios de la serie "CSI: Crime Scene Investigation". Esta película pertenece al "Cine Drogon" (Stoned Movie). Si, así de sencillo, son esas películas (y hay muchas) que están inspiradas, escritas y dirigidas por la marihuana y otras drogas (o por personas bajo sus efectos, yo que sé, es lo mismo). Este tipo de humor también se lo debemos a los Estados Unidos. Cuando comenze a ver filmes de este tipo, no podía dejar de pensar como los recibirían los sectores mas conservadores de la sociedad yanki, ya que hay que admitirlo, su moralina es patética, falsa y egoísta, pero también estos filmes son bastante zafados. Pero creo que los moralistas creen que ganaron algo con las calificaciones y restricciones a las que se ven sometidas los filmes (cualquier tipo). Y bueno, nadie se salvo, los discos vienen en varias versiones (la sin censura con el cartelito de ¨Parental Advisory¨ o la ¨Clean Version¨, es decir, la versión ¨limpia¨ de puteadas, literalmente las tratan como si fueran mugre), los videojuegos y filmes tiene calificaciones para diferentes tipos de publico, es decir, ese sector conservador decide que podes escuchar, que podes ver, y que podes jugar por vos (algo como ¨no te molestes, nosotros decidimos que es lo mejor para vos¨), pero si realmente hubieran ganado algo, no seguirían estrenándose filmes como este.
¨How High¨ (¨Cuan Elevado¨ seria la traducción literal) tiene como protagonistas a Method Man y Redman, dos raperos muy conocidos de estados unidos. El primero interpreta Silas, un dealer de drogas que el mismo cultiva en su propio departamento, el segundo es Jamal, un tipo que, en si, no hace nada. Ivory, un amigo-cliente de Silas se quedo dormido fumando un porro, se prendió fuego y se murió. Silas, en su honor, planto las cenizas de Ivory en una maceta con algo de marihuana. Ahora cada vez que fuman de esta planta, el fantasma de Ivory aparece para ayudarlos. Es así que hacen las pruebas para entrar a la universidad, y con la ayuda de esta planta mágica, entran en Harvard. De aquí en mas es todo risas, chistes racistas (irónicos por supuesto), sexo, prostitutas, drogas, los Cypress Hill haciendo un cameo, etc. Aunque el final ¨termina-todo-bien-para-todos¨ sea un poco -demasiado- delirante, esta bien para lo que es el film, ya que es literalmente un final drogon.
"Banlieue 13" es otro guión de la maquina de escribir que es Luc Besson (es responsable de "Danny The Dog" y "El Transportador" 1 y 2 entre las cosas recientes que nos llegaron, miren su curriculum sino me creen). El debut de Pierre Morel como director es muy aceptable con un cierto aire Michael Bay en el sentido del vértigo del film, que es imparable, es comprensible debido a la cantidad de experiencia que debe haber adquirido siendo crew de numerosos filmes. Como en toda película francesa no puede faltar una persecución, es así que el desenlace de la primer escena es una persecución a pie increíble.
Nuevamente el gusto por los autos de Luc Besson es notable en sus filmes, es así que "B13" resulta una extraña mezcla entre "Rápido y Furioso", "El Transportador" y "Mad Max". En este caso hay que reconocer que "B13" tiene todo lo que no tiene "El Transportador 2", grandes escenas de acción, sin cables ni efectos especiales, sino pura acrobacia y destreza física de los dos protagonistas, Cyril Raffaelli y David Belle, aparte tiene una historia más interesante (préstenle mucha atención a lo que hace el personaje Leito, lo hace parecer fácil el muy hijo de puta) En este caso la historia tiene matices de ciencia-ficción y critica social. El B13 es el Sector 13, un barrio pobre que fue aislado con un muro por el gobierno, ya que es una cuna de trafico de droga y armas. Taha, el capo del lugar, roba una arma nuclear la cual activa accidentalmente, es por eso que un agente encubierto junto a un ex secuaz de Taha deberán entrar al barrio para intentar desactivar la bomba antes de que estalle y borre por completo al B13 y medio París. Si, la trama es muy sencilla, pero el film se sostiene solo, es muy entretenido, lleno de acción y que no me extrañaría que hagan una continuación ya que la historia, si esta bien pensada, puede dar para mas. MUY BUENA
Aquí nos encontramos ante uno de los mejores filmes de Wes Craven. El reconocido director también se encargo del guión de esta magistral obra del terror, bizarra y sangrienta de la vieja escuela. Si temor a equivocarme, este fue EL film que marco mi infancia y mis gustos cinematográficos futuros, no puedo evitar verla cada vez que me la cruzo en algún canal de cable, pasa que tiene ese “no se que, que que se yo” que me atrae. El misterio que encierra toda la casa, sus pasadizos secretos y los personajes que viven en ellos. Con mas de 15 años de existencia, “The People Under the Stairs” sigue influenciando a otros filmes mas recientes como “ToolBox Murders” de Tobbe Hooper o “See No Evil” de Gregory Dark, ambas demuestran una clara influencia de la obra de Craven (y debe haber algunas otras que ahora no me vienen a la mente)
La historia es verdaderamente retorcida, según declaraciones de Craven, se baso en hechos reales, mejor dicho, en un caso policial que salió en las noticias de dos padres que encerraban a sus hijos en la casa sin dejarlos salir. Craven no pudo elegir un mejor casting para los padres, Wendy Robie y Everett McGill interpretaban a marido y mujer en la serie “Twin Peaks” (1990), y Wes los quiso para “The People Under the Stairs”. La actuación de Wendy Robie como una psicotica madre no tiene desperdicio (la escena del baño a Alice es terrorífica, ni hablar de cuando corre a la niña con cuchillo en mano cerca del final). Esta pareja interpreta a Mama y Papa, adineradas personas, dueños de una gigantesca casona antigua y de cientos de propiedades por la zona. Fool (Brandon Adams) es un niño pobre que decide ir a robar a la casa de esta extraña pareja junto a dos cómplices mucho mayores que el, Leroy (Ving Rhames) y Spenser (Jeremy Roberts). Su objetivo son una colección de monedas de oro para poder ayudar a la madre de Fool que esta gravemente enferma. Pero las cosas se complican cuando la pareja los descubre y cierra herméticamente la casa, no hay forma de salir. Para colmo Fool queda solo, descubre que hay gente deforme en el sótano, otro personaje llamado Roach (cucaracha) que vive entre las paredes y una niña extraña (al parecer hija de la pareja, interpretada por A.J. Langer) que lo ayudara a escapar.
El film tiene un nivel de acción y adrenalina constante, de principio a fin, sangre, disparos, gore, gente deforme, etc. No podes dejar de verla.
“Grandma's Boy” Es una muy buena comedia de Happy Madison, la productora de Adam Sandler. Principalmente es un producto pensado para los gamers, lleno de referencias y guiños, pero el tipo de gamer que refleja el film es raro, ya que estos pibes se la pasan fumando marihuana casi cada vez que agarran el joystick!. Este es el segundo trabajo del director Nicholaus Goossen, el primero fue “Eight Crazy Nights” también con Adam Sandler involucrado. Nuestro protagonista es Alex (interpretado por Allen Covert que tiene una larga trayectoria en comedias, esta presente en casi todas las comedias de Sandler) un beta tester de una empresa de videojuegos. O sea, su trabajo es jugar los juegos que se están desarrollando, encontrar fallas, hacer comentarios, etc. Alex es echado de su apartamento por que su compañero se gasto todo el dinero de la renta en prostitutas, pero su abuela le da refugio en su casa en la que vive con otras dos señoras mayores. Samantha es una bella mujer que es enviada a supervisar el trabajo sobre un videogame. Ella es una sirena en un mar de vírgenes. J.P es un genio de los videogames, pero es algo raro, se viste como Neo y tiene un alter-ego robótico dentro suyo (!) y obviamente le tratara de robar la chica a Alex. Pasan tantas cosas en el film que no se pueden mencionar todas, pero si todavía no están convencidos de echarle un vistazo a “Grandma's Boy”, les dejo algunas: un mono karateca, un adolescente succionando una teta durante 13 hrs, tres ancianas totalmente drogadas... y, la escena mas bizarra de todas... el protagonista masturbándose con una muñeca de Lara Croft y acabando sobre la madre de su amigo (!!!!!!)
A pesar de tener una trama ultra trillada, "Andre The Butcher" funciona y logra sostenerse muy bien, esto gracias a apuntar mucho a la comedia, lo hace entretenido y todo un futuro clásico del cine z. Tiene una "frescura" comparable -salvando las distancias- con la gloriosa obra de Peter Jackson "Braindead". El punto de partida es el clásico grupito de adolescentes, en este caso son cuatro Cheerleaders (porristas de universidad), tres mujeres y un tipo medio nabo, que obviamente quedan varados en el medio de la nada y caen en las manos de un asesino, aquí, Andre El Carnicero. Pero esto no se detiene acá, aparecen dos fugados de la cárcel, un sheriff violador, y un torso humano que pide por favor que lo maten varias veces en el film. Todo esto mientras un viejo texano nos relata la historia y nos maltrata verbalmente. Las chicas están vestidas del uniforme clásico que es una incitación al morbo, el fetiche y las fantasías animadas de ayer y hoy (hay muchas escenas donde se enfoca bien debajo de la pollera, je, me hace recordar a esos animes como "Aika" o "Ikkitousen" que tienen un fetiche con las bombachas de las protagonistas, la muestran desde los ángulos imposibles) Andre es un cocinero macabro y asesino que es interpretado por el porno star Ron Jeremy (aunque en realidad aparece escasos minutos ya que el asesino, al llevar la cara tapada, es interpretado por otra persona). Pero hay que reconocerle la trayectoria a este tipo, si bien la mayoría son películas porno, el gordo actuó en mas de 500 (contando pornos y cameos en películas y video clips de bandas)
MUY BUENA
Bonus: marche ya un juicio para una de las canciones del film, es exactamente igual (pero con unos acordes cambiados) a un tema de Rammstein!!!!!
Por Fin! Por fin una película de bajo presupuesto que me sorprende!. Bueno, hablemos claro: "Dog Soldiers" no es nada revolucionario dentro del genero pero es simplemente genial, será por el aburrimiento o porque estaba en bueno el día que la vi, no sé, pero este film me sorprendió, es una gran película, entretenida, bien actuada (cosa rara) y con buenos efectos. Su director y guionista es un ingles de nombre Neil Marshall que recientemente estreno "The Descent". Se nota mucho que sabe lo que se debe hacer y lo que no con un escaso presupuesto ya que el film no tiene esos finales inconclusos, o que intentan dejar al espectador pensando ni nada de eso (típicos del cine de terror de bajo presupuesto), Neil se propuso contar una historia simple, y lo logro sin ningún tipo de parafernalia argumentativa. La trama gira en torno a un grupo de soldados que durante una misión de entrenamiento en un bosque quedan a merced de una manada de Licántropos, sí, Hombres Lobos. Los soldados se refugian en una casa y el film se transforma en una especie de "Nigth Of The Living Dead" pero con Hombres Lobos en lugar de los muertos vivos. Puede parecer un argumento tonto y trillado, si, no hay dudas, pero "Dog Soldiers" funciona excelentemente para lo que fue hecha, entretenimiento puro. Los Hombres Lobos están muy pero muy bien logrados (nada de CGI), son bastante parecidos a los de "Underworld", aunque me hubiera gustado verlos un poco más. En resumidas cuentas, un gran film con mucha acción, grandes momentos de adrenalina, buena música y un final mas que aceptable.
EXCELENTE++++++++
BONUS Me parece interesante mencionar algunos de los guiños al espectador. - Durante el film, el personaje de Megan toca una canción en el piano, esta se llama Debussy's "Clair de Lune". - Uno de los soldados se llama Bruce Campbell en una obvia referencia a "Evil Dead" (Bruce Campbell es el protagonista de esta trilogía de Sam Raimi) y otro Harry G. Wells por H.G. Wells, uno de los favoritos del director. - Uno de los personajes pregunta "Where's Spoon?" ("Dónde esta Spoon?", Spoon quiere decir cuchara) y el sargento responde "There is no spoon" ("No hay cuchara"). Una referencia a "The Matrix". - Durante el film se menciona varias veces un partido de fútbol entre Inglaterra y Alemania, el resultado del mismo permite situar los hechos del film entre el primer y segundo día de Septiembre del 2001 (casualmente fueron días de luna llena)
Luego de que ¨Matrix¨ creara un gran revuelo en la industria cinematográfica, vimos aparecer varias películas que tenían muchas cosas en común con la trilogía de los hermanos Wathchoski. En realidad, mas que un revuelo, lo que ¨Matrix¨ causo fue una revolución, una revolución estética e imaginaria en la forma de hacer cine. En este caso, ¨Equilibrium¨ es un legitimo hijo menor, donde se nota la clara influencia paterna pero también se siente mucho la de los abuelos (películas de ciencia-ficción anteriores a ¨Matrix¨). El film que nos compete fue escrito y dirigido por Kurt Wimmer, alguien para nada famoso. Si bien este film es el segundo que dirige, tiene varios trabajos como guionista siendo el más famoso el del film "El Caso Thomas Crown". Luego de la tercera guerra mundial a principios del siglo 21, ciertos organismos deciden poner fin a todos los actos dañinos del hombre. La solución: los humanos no deben tener sentimientos, ellos son los que llevan a la destrucción, la miseria, los asesinatos y las guerras. Se funda la ciudad de Libria, donde sus habitantes viven en paz y tranquilidad bajo el dominio del Padre, el fundador de la sociedad. Estos sujetos deben aplicarse una dosis de Prozium, una droga que les inhibe los sentimientos. En las afueras de la ciudad reina el caos, es un mundo apocalíptico, donde los renegados intentan sobrevivir y sentir. La fuerza que se encarga de estos ofensores son los Clérigos, sujetos especialmente entrenados para enfrentarse con ellos y poder ser imparciales y por ende insensibles. Nuestro protagonista es John Preston interpretado por Christian Bale, uno de los clérigos más importantes, que luego de asesinar a su compañero por ser un ofensor comienza a replantearse su trabajo, deja de tomar su dosis de Prozium y comienza a involucrarse con la resistencia. Creo que la sinopsis se hizo un poco larga, pero necesaria. El film tiene mucha calidad, visual, argumental y sonora, si bien las similitudes visuales entre Preston y Neo saltan a la vista, no se puede decir que ¨Equilibrium¨ roba a "The Matrix", ya que el parecido esta en el sobretodo que tiene Preston que es demasiado similar al que Neo viste en "The Matrix:Reloaded". Aunque ¨Equilibrium¨ salio un año antes que Reloaded (mmmm...¿Robo?). Igual esto no opaca el resto del film y evita que pensemos que ¨Equilibrium¨ es un robo descarado a "The Matrix". El ambiente tenso es oprimente, la imparcialidad y la dictadura de Libria es terrible, no imposible ya que hay muchos lugares donde este tipo de cosas han pasado y siguen ocurriendo. Las escenas de acción, aunque no son muchas, son bastante buenas, si bien es inevitable compararlas con las de ¨Matrix¨ (sobre todo un tiroteo en un lobby, bastante similar al de la primera "Matrix"). Algo bastante interesante es ver la forma en que mueven los brazos los clérigos, muy bueno. El film me dejo con ganas de mas, una continuación no la veo factible, pero es una lastima, con esta manía de hacer trilogías, ¨Equilibrium¨ podría dejar el argumento para una continuación, pero no lo hace, ya que es bastante definitorio. Por otro lado, Christian Bale va a estar ocupado haciendo las secuelas de Batman, y no creo que pida poca plata en los films que le vayan a proponer luego de interpretar al murciélago. Pero su actuación es muy convincente, es un tipo bastante serio y centrado en la vida real, así que no le habrá costado mucho interpretar al imparcial Clérigo. Ojo con este tipo eh, tiene un par de films no muy conocidos -como este- que están mas que bien. El otro que hay que ver es "El Reinado del Fuego", otro gran film protagonizado por Bale.
“Feast” es un festival de gore, comedia y personajes estereotipados como hace mucho tiempo no se veía. Producida por Wes Craven, Matt Damon y Benn Affleck (!), el film proclama haber sido producido con solo un millón de dólares (cosa poco creíble) “Feast” tiene un comienzo vertiginoso que no se detiene hasta el final. Lugar: un bar en el medio del desierto. Ocupantes: personajes estereotipados sin nombre, algunos como la madre soltera, el jefe, el chico bueno, el chico malo, la anciana prostituta, el motivador vocacional (interpretado por Henry Rollins de The Rollins Band) y Jasón Mewes (el actor de la saga de films de Kevin Smith, amigo intimo de Benn Affleck, hace de si mismo) Situación: a los pocos minutos del film, un tipo todo ensangrentado irrumpe al bar cargando la cabeza de un ser extraño, avisa que unos demonios se acercan y... bam... comienza la sangre, las tripas y lo asqueroso que tanto nos gusta a nosotros. La trama nos encierra dentro del bar junto a los personajes, no sabemos mucho que pasa afuera, que son y que buscan esas cosas. Pero la accion y el entretenimiento no se detienen, el escaso guión no aburre nunca. “Feast” tiene toques de humor, mucha acción y sobre todo mucho gore (un digno descendiente de la mítica “Braindead” de Peter “me emocione con Tolkien” Jackson) No tiene nada que envidiarle a las superproducciones actuales, tiene una calidad visual y sonora muy buena (la fotografía es sobresaliente) Si hay que buscar referentes, “Feast” es una mezcla entre “Del Crepúsculo Al Amanecer”, criaturas símil “La Aldea” , y gore y comedia al estilo “Braindead”. Un excelente debut del director y los guionistas.
Gran Momento: un mounstro bebe tienen relaciones con la cavidad bucal de una victima!!!!! http://www.feast-movie.com/
“Adrenalina” es como bien dice su nombre, un film que no se detiene nunca, es intenso desde la primer escena y lo intenta mantener hasta el final (tan veloz como el inicio) Jason Statham interpreta a Chev Chelios, un asesino a sueldo que es envenenado mientras duerme con una droga que lo matara si sus palpitaciones descienden. Por eso Chelios se lanza a la búsqueda de drogas y otras mierdas para mantenerse literalmente “al palo” y acelerado mientras busca al que lo enveneno. El film es eso, entretenimiento puro de principio a fin, violencia innecesaria, disparos, piñas, patadas y varias escenas muy graciosas (la forma en que sale del ascensor luego de inyectarse una dosis muy grande de una adrenalina artificial es genial, también la que tiene sexo con el personaje de la hermosa Amy Smart en medio de la Chinatown) Esta adrenalina y vértigo que recorre todo el film es su punto fuerte, guionisticamente no es muy elaborado, pero la forma en que esta tratado es lo mejor: una estética muy moderna, con elementos clásicos de cualquier videoclip de los últimos años y un elemento quizás no reconocible por todos, este es la símilaridad del desarrollo del film con videogame Grand Theft Auto (lo bueno es que lo reconocen ya que hay un par de guiños como la "Rockstar energy drink" que bebe el protagonista, haciendo una clara referencia a Rockstar Games, creadores del juego)
BONUS: Chester Bennington de Linkin Park hace un cameo recomendándole una droga al protagonista.
"Vidocq" es simplemente un film innovador. Es la primera película totalmente rodada y editada en formato digital, ganándole de mano a George Lucas que hizo lo mismo con "Star Wars Episode II" un año después. Pitof, el director, se encargo de retocar todas las imágenes con medios digitales, así la imagen misma, los fondos y la iluminación son impresionantes (es un insulto mirar "Vidocq" en VHS). Aparte Pitof juega mucho con la cámara en mano y con primeros planos dándole un vértigo diferente a la película. Por otro lado, el film tiene una trama muy interesante. El guión estuvo a cargo del director y de Jean-Christophe Grangé (guionista de "Los Ríos Color Púrpura", otra gran película que recomiendo). Esta dupla basa su historia en Eugène François Vidocq (Gérard Depardieu), detective francés del siglo XVIII a quien se le atribuye el origen de la criminología moderna. Fugitivo de la justicia, Vidocq fue en primer término espía y confidente de la policía, mas tarde se dedicaría a atrapar criminales. En 1830, Vidocq, un famoso detective, se deja morir en un enfrentamiento con un personaje rarisimo, El Alquimista. Este personaje cubre su cara con una mascara es forma de espejo, según dicen, el que es reflejado en el automáticamente pierde su alma. Su biógrafo oficial seguirá los pasos de Vidocq para descubrir que paso, por que se dejo morir su héroe. De este modo llegara a descubrir una especie de secta de la juventud eterna, asesinatos de vírgenes y las extrañas circunstancias de muerte de gente importante (al parecer todos, en distintos momentos, fueron fulminados por un rayo que cayo del cielo). Esa es mas o menos la historia, parece simple, lo puede ser, pero cumple, y cumple bien, aparte la vuelta de tuerca del final, si bien no me dejo con la boca abierta, no me la esperaba. "Pacto con lobos" me sorprendió de sobremanera, debido a su excelente ambientación, personajes y aspecto de videojuego/cómic, porque hay que admitirlo, los seguidores del cine fantástico no esperábamos mucho de Francia, quizás ahora debamos tenerles un poco de esperanza. Con "Vidocq" tenia grandes expectativas que fueron cumplidas con soberbia. Dado que el cine oriental invadió las salas de cine del mundo, me pregunto: ?Podrá Francia ser la nueva superexportadora de films? Ojalá así sea, por que productos como "Vidocq" y "Pacto con Lobos" son simplemente diferentes a las superproducciones yankis y pronto pasaran a ocupar un lugar muy especial en mi filmoteca.
Katsuhiro Ôtomo nos vuelve a entregar una obra maestra, "Steamboy", con una ambientación y un vértigo único. Como siempre, él intenta mostrar un anime más cercano a la realidad, un anime humanizado donde los personajes no son extraterrestres con superpoderes y con ojos saltones (como la gran mayoría del anime/manga) sino que este tipo busca una estética cuidada y verosímil, donde los personajes son -salvando las distancias- como nosotros. El trabajo como director de Katsuhiro es bastante espaciado, se toma sus tiempos entre producción y producción, es así que desde 1995 no dirigía nada (en este año se encargo la 3er historia de "Memories" o "Recuerdos Peligrosos" como fue renombrada) pero sin duda su trabajo mas reconocido es "Akira" de 1988. Como ya se hizo una costumbre en el anime, la animación tradicional se vale de la computada para lograr gráficos increíbles, que con los años se van perfeccionando cada vez más. "Steamboy" tiene una estética única, ambientada en la Inglaterra de 1860, durante la imparable expansión industrial, en plena búsqueda de nuevas maquinarias, más rápidas y baratas. Es así que el vapor, las tuercas, las palancas y mecanismos de la época están por todos lados durante el film, sobre todo el vapor, de ahí "Steamboy", Steam es vapor en ingles. El protagonista es Ray Steam (con un terrible parecido al protagonista de "Akira"), un inteligente chico que viene de una familia de inventores, su padre y abuelo han logrado un gran avance en lo que respecta al poder del vapor. Ray queda atrapado en medio de un conflicto entre su abuelo y la corporación que dirige su padre, pero no sabe a que bando hacerle caso. La segunda lectura del film tiene un mensaje acerca de los verdaderos alcances de la ciencia, su ética, moral y utilización, ya que el abuelo de Ray quiere impedir que su descubrimiento sea utilizado inadecuadamente debido a que la corporación a la que se enfrenta planea construir todo tipo de armas y vehículos de guerra. Anna Paquin, Alfred Molina y Patrick Stewart prestan sus voces para la versión estadounidense del film ya que los pobrecitos yankis no están acostumbrados a ver las películas con subtítulos, pobrecitos, y menos mal que la doblaron, no sea cosa que se les hubiera ocurrido hacer una remake, digo, como se les hizo costumbre. Alrededor de la hora de película, el vértigo comienza y la adrenalina es imparable, así "Steamboy" toma un ritmo aventurero que no se detiene hasta el final del film. Una hora impresionante de acción, aventuras, disparos, explosiones, y vapor, todo esto con una animación detallada, hiper fluida y suave. En resumidas cuentas: me gusto mas que "Akira".
Esta fue la primer entrega de una trilogía que nunca llego a su ultimo capitulo. Tales From The Crypt paso de ser un cómic a una serie de tv, y luego llego al largometraje. "La Noche del Demonio" como fue comercializada en estas aguas "Demon Knight", fue la primer entrega de esta trilogía, que luego llegaría a una segunda y ultima entrega con "Burdel De Sangre". El putrefacto guardián de la cripta hace de un hostclásico e irónico y se encarga de presentarnos las historias. En este caso "Demon Knight" cuenta la historia del cuidador de una llave que contiene la sangre de Cristo, llave que los demonios quieren ya que con ella podrán traer nuevamente la oscuridad a la tierra. Brayker (William Sadler) es el actual cuidador de la llave que esta siendo perseguido por The Collector (Billy Zane), el que esta buscando la llave para el lado oscuro. Brayker se oculta en el hotel de un pueblucho y como es de esperarse los malos lo encuentran y una horda de demonios se impacienta en los alrededores de la casa intentando ingresar a descuartizar a todos y acerce con la llave. Aquí hay una clara influencia de George Romero, y su idea "atrincherarse" y luchar desde adentro contra los muertos vivos, aunque en este caso los muertos vivos son reemplazados por unos demonios flacos, feos y de ojos encendidos, en lugar de dispararles en la cabeza hay que darle en los ojos y en lugar de tapiar las ventanas usamos la sangre de Cristo para crear una barrera invisible. Las situaciones "humanas" que se dan dentro del grupo también son muy influenciadas por Romero. El film tiene bastante gore, algo de comedia y alguna que otra cosa objetable (como el hecho de que a la negra le arranquen un brazo y al rato del film anda lo mas bien matando demonios... mmmmm.. ahí le chingaron feo). Pero fuera de esto es todo un clásico, no tiene quizás la "seriedad" o actuaciones soberbias de "El Exorcista" o "Sexto Sentido", filmes como "Demon Knight" entran en otra categoría, en otro nivel de cine de terror.
LO MEJOR: La escena donde Billy Zane "crea" a los demonios y esos dos segundos geniales cuando el tarado de Roach (Thomas Haden Church) rompe el sello de un disparo y Brayker le pega un grito como diciendo "que haces tarado!". LO PEOR: Que a la negra le arranquen un brazo y al rato ande lo mas pancho por ahí. Hacen falta mas demonios y disparos!.
Este fanfilm marco un antes y un después en lo que es este nuevo subgénero plagado de amateurismo, pocos recursos pero con mucha pasión. El nivel de profesionalidad es admirable, sobre todo para un corto que solo costo 30.000 dólares y dura cerca de 8 minutos (bueno, cerca de 6 sin los títulos finales). Sandy Corolla es un gran fan de los cómics que un día se lanzo a hacer cortos de sus superheroes favoritos. Así primero lanzo "World's Finnest", un trailer de un film que nunca existió donde Batman y Superman unen fuerzas para luchar contra Lex Lutor y Dos Caras. "Batman: Sin Salida" tiene un aspecto visual muy bueno, que rescata el periodo más oscuro de Batman. En este caso Batman va en busca del Joker que acaba de escapar de Arkham, pero al encontralo aparecen los Aliens y el Predator. Y que pasa? Comienza las piñas señores!!! Una gran batalla que en un primer momento me decepciono. Me decepciono por que me dejo con unas ganas terribles de ver como sigue la cosa, ya que el final te puede dejar muy conforme o muy ansioso, a mí me paso lo segundo. Una mención aparte merece todo lo visual, tanto Batman como los Aliens y Predators están muy pero muy bien logrados. El corto es una excelente carta de presentación de Sandy Corolla que esta preparando su carrera como director, aunque seria muy interesante ver cosas mas largas como "La Broma Asesina" adaptada por este tipo. Tanto "Batman: Dead End" como "World's Finnest" están disponibles para bajar de la red sin costo alguno (tambien esta un Behind The Scene muy bueno)
Dario Ruocco: estudiante de Ciencias de la Comunicacion de la Universidad De Buenos Aires. Colaborador de varias webs como Zona Freak, Tumba Abierta (España) y de la revista La Negra entre otros trabajos.
Sugerencias y contrataciones son bienvenidas: cradle_of_roco@hotmail.com
“Lab Of Madness”, una pequeña compañía cinematográfica estadounidense nos entrega un producto sobresaliente, “Murder Party”, donde la comedia, el terror y la critica están presentes en partes iguales. Primer largometraje de Jeremy Saulnier (ya que sus dos primeros trabajos fueron los cortometrajes llamados “Goldfarb” y “Crabwalk”)
